31 de mai. de 2012

Grand Magus "Grand Magus" by ZM


Comprei este CD na Galeria e achei que vc irá gostar.
Não vou nem falar o nome do grupo.
Eu não conhecia o grupo, mas foi indicado pela menina da Hellion (que já sabe mais ou menos o meu gosto).

Baixe e me diga...

Só te digo que eu gostei demais da sonoridade e do estilo dos 3 caras.
É bom demais!
Ou será que eu tô bonzinho além da conta???
Só sei que tá rolando direto no meu CD player....

É o debut da banda, gravado em 2001, mas parece que foi em 1976...!


This is a "power trio" from Sweden, that makes a refreshed kind of hard/metal/rock, with the flavor of the dam' good 70's...!more free songs at http://www.grandmagus.com

Grand Magus is a special band: While tradition is very important to them, they still have the courage to develop their music.

Stylistically, they may have come a long way from their dusty self-titled rock debut to their new metal masterpiece HAMMER OF THE NORTH, but the Stockholm trio have evolved without losing touch with their experiences. They have never abandoned the driving groove of their early years or their love of epic doom and extreme metal.

Now, their familiar trademark sound is melded with traditional riffs and melodies that rock the same league as Judas Priest and Dio.

Lead singer JB not only shapes the ten songs of HAMMER OF THE NORTH with his distinctive, unique voice but also runs wild with his guitar playing.

Supported by his rhythm section, FOX (bass) and SEB (drums) push JB to a new all-time high. On songs like ‘I, The Jury’ he skillfully applies the Halford-shout and matches the tour-de-force of his idol Ian Gillan, and on ‘Ravens Guide Our Way’ his sonorous vocals plummet to the depths of hell before rising up to Valhalla.
Grand Magus also bring their versatile musical wealth on a lyrical level.

While previously chief lyric-writer JB often used cryptic images to conceal song content, this time he is more transparent and distinct.

The power of nature and the ancient Nordic tradition is his focus on this album, and this is also reflected in the cover artwork by Necrolord (Dissection, At The Gates, Emperor).

Swedish history and Norse mythology have been an important source of inspiration.

The wolf, which has always been the heraldic animal on the band’s coat-of-arms, is a powerful presence: while being a symbol for sheer wildness, he is a classic pack animal and as such also stands for absolute unity.

According to the Prose Edda, in Ragnarök the “Fenris” (the wolf) killed Odin, the father of the gods.

JB ensures his lyrics precisely match the songs so that when combined with huge choruses, soaring melodic arcs, and powerful riffs they form an explosive unit.

Come out of your shelters and attack – the wolves are back!

This biography was provided by the artist or their representative.

One customer review at amazon.com:

"Have you ever heard these guys?"
September 23, 2006

By beast of the sausage meat "geoff"
This review is from: Grand Magus (Audio CD)
I hadn't, until they came up on the recommendations list, but after reviewing the album art (huge beards can never be bad) and the samples, I had to listen to this. I'm not disappointed.
The noise these guys seem to be shooting for is one of a largely "stoner rock" kind of bass-driven and somewhat melodic underpinning largely riff-driven rock. Nothing special, you might think, but it is the guitar/vocalist that makes this CD exceptional. There are enough "air guitar" moments to satisfy any cravings you might have, and the riffs are also catchy enough to maintain ones interest. That Grand Magus aren't bigger is a huge surprise.
One other thing that people seem to comment on that I agree with are their thoughts on the vocalists voice - he really does sing. Not growling, or howling; but singing. And it works! It really does. I've not as yet got any other CD's by this group, but rest assured I will. Go on, give it a listen. You'll not regret it.


Grand Magus was formed by former Cardinal Fang vocalist Janne "JB" Christoffersson and bassist Fox. They soon teamed up with drummer Fredrik "Trisse" Liefvendahl and recorded a three track demo. This recording led to an appearance on the Waterdragon Records compilation, Greatest Hits Vol. 1 (2000). After this compilation they put out a split 7" with Spiritual Beggars (who JB would later join) on Southern Lord Records. This split was followed closely by their debut album, Grand Magus (2001), on Rise Above Records. Two more albums would follow, Monument (2003) and Wolf's Return (2005), both on Rise Above. In 2006 Trisse left the band and Sebastian "SEB" Sippola was recruited on drums. The band released their fourth album, Iron Will, on June 9, 2008 on Rise Above. On December 2009 Roadrunner records announced they are releasing Grand Magus fifth upcoming album called Hammer of the North in summer of 2010.
- Current line-up
Janne "JB" Christoffersson - lead vocals, guitar
Fox - bass, backing vocals
Ludwig "Ludde" Witt - drums

- Past members
Sebastian "SEB" Sippola - drums
Fredrik "Trisse" Liefendahl - drums
- Albums
Grand Magus (2001, Rise Above Records)
Monument (2003, Rise Above Records)
Wolf's Return (2005, Rise Above Records)
Iron Will (2008, Rise Above Records)
Hammer of the North (2010, Roadrunner Records)
The Hunt (2012, Nuclear Blast)

- Singles/EPs
Split 7" with Spiritual Beggars (2001 Southern Lord Records)
Ripped by zm.jazzrock for Som Mutante.
Expanded Edition with two bonus tracks
UK printed CD @ 2006 (original 2001)

*** This is my own CD ripped specially for my "brother in sound", DoA ***
I hope you enjoy it!
Leave a comment there on the blog where you downloaded.
There's much more like this from the vault where I digged it...

Sao Paulo, Brazil


29 de mai. de 2012

Alvin Lee and Ten Years After "Pure Blues" by PRB

O mais engraçado nestes posts é a relação que tenho com eles, alguns quase nenhuma o que não acontece com Alvin Lee, que conheci quase que toda sua carreira mas nunca comprei um disco sequer!!!
Porque será?
Cada vez que saía um eu ia as lojas mas achava algo a mais e ele ficava pra depois, aí acabava ouvindo dos amigos e tal mas caraca, se ele era tão bom e era, porque cargas d'água nunca comprei um só disco?
O nome é mítico e a sigla TYA permanece até hoje nas principais bocas qdo falam de uma banda ou de um guitarrista; "Ten Years After" é um marco na música norte americana e ele fez escola sim pra muitos só que ficou mais pra trás digamos assim como muitos que tem talento, fazem muito e bem feito mas não decolam como outros até de nível inferior.
Aqui ele está simplesmente perfeito e na minha praia eu posso sim opinar, prq o Blues é como água pra mim, estritamente necessário ouvir em todas suas vertentes e o PRB acertou mais uma nos presenteando com esta bela aula de como é tocar Blues de verdade e não é a toa que até um tal de Harrison faz parte e não me venham com histórias prq ele não tocava com qqr um mesmo e ponto; Jon Lord é um fora de série também e difícil de qualificar entre tantos.
Alvin Lee e TYA, tudo a ver,rs

Hi Dead!

Saudações, velho lobo.

procurando nos arquivos do som mutante,não encontrei nada específico a respeito deste mestre das seis cordas , ai me lembrei deste CD que vos passo.

Na humilde opinião deste aspirante a lobo, uma das mais honestas compilações já lançadas.

Destaque para as participações pra lá de especiais, entre eles: George Harrison e John Lord .

Confira e veja se é digno de fazer parte desta alcateia.

Abraços ao velho lobo e beijos nas crias.

Até a próxima!

Born in Nottingham England, ALVIN LEE began playing guitar age 13 and formed the core of the band Ten Years After by aged 15.
Originally influenced by his parent's collection of jazz and blues records, it was the advent of rock and roll that truly sparked his interest and creativity, and guitarists like Chuck Berry and Scotty Moore provided his inspiration.
The Jaybirds, as Lee's early band was called, were popular locally and had success in Hamburg, Germany, following the Beatles there in 1962.
But it wasn't until the band moved to London in 1966 and changed its name to TYA that international success beckoned.
The band secured a residency at the legendary Marquee Club, and an invitation to the famous Windsor Jazz & Blues Festival in 1967 led to their first recording contract.
The self titled debut album surprisingly received play on San Francisco's underground radio stations and was enthusiastically embraced by listeners, including concert promoter Bill Graham who invited the band to tour America for the first time in the summer of 1968.
Audiences were immediately taken in by Lee's distinctive, soulful, rapid fire guitar playing and the band's innovative mix of blues, swing jazz and rock, and an American love affair began.
TYA would ultimately tour tNorth America 28 times in 7 years, more than any other U.K. band.
Appearing at the famed Woodstock Festival, Lee's virtuoso performance was one of the highlights and remains today a standard for many other guitarists.
Captured on film in the documentary of the festival, his inspired playing catapulted him into superstardom, and soon the band was playing arenas and stadiums around the globe.
Although Lee later lamented that he missed the intimacy of smaller venues, there is no denying the impact the film made in bringing his music to a worldwide audience.
TYA had great success, releasing ten albums together, but by 1973, Lee was feeling limited by the band's style.
With American gospel singer Mylon LeFevre and a host of rock talents like George Harrison, Steve Winwood, Ron Wood and Mick Fleetwood , he recorded and released On The Road To Freedom, a highly acclaimed album that was at the forefront of country rock.
A year later, in response to a dare, Lee formed Alvin Lee & Company to play a show the Rainbow in London and released it as a double live album, In Flight.
An energetic mix of rhythm & blues and rock, with a tribute to Elvis Presley thrown in for good measure, Lee once, in his understated fashion, called this band "a funky little outfit".
They were far more than that and various members of the band continued on with Lee for his next two albums, Pump Iron and Let it Rock.
He finished out the 70s with a powerhouse trio he called Ten Years Later who also released two albums, Ride On and Rocket Fuel, and toured extensively throughout Europe and the United States.
The 80s brought another change in Lee's direction, with two albums that were strong collaborations with Rarebird's Steve Gould and an extensive tour with the Rolling Stones' Mick Taylor joining his band.
Lee's overall musical output includes more than 20 albums, including 1985's Detroit Diesel and the back to back 90s collections of Zoom and 1994 (I Hear You Rocking).
Guest artists on both albums include George Harrison, whose brilliant slide guitar perfectly complements Lee's lead. Their duet on 1994's The Bluest Blues led one reviewer to call it "the most perfect blues song ever recorded."
"Alvin Lee in Tennessee", a 2004 release, was recorded with rock and roll legends Scotty Moore and D.J. Fontana.
It's an upbeat selection of songs that are timely and forward looking, yet borrow from his beloved 50s rock and roll.
There's even a new version of his signature song, I'm Going Home, performed here, according to Lee "as it always should have been".
Lee's newest album, Saguitar, released September 2007, showcases the artist's bluesy vocals and dazzling guitar work on 14 new songs that range from melancholic blues to raucous rock to an innovative interpretation of rap.
Lee says the album "celebrates the sheer joy of making music".
For the listener, the celebration starts when they crank up the volume and groove to the latest offering from this enduring and superbly talented musician
Pure Blues music CDs Includes liner notes by Alvin Lee.
Pure Blues songs

Alvin Lee (vocals, guitar, piano); Dyan Birch, Frank Collins, Paddy McHugh (vocals); Steve Gould (guitar, keyboards); Neil Hubbard (guitar); George Harrison (slide guitar); Mel Collins (saxophone); Clarence Clemons (tenor saxophone); Chick Churchill, Steve Grant, Tim Hinkley (keyboards); Alan Young, Ric Lee, Ian Wallace (drums).

Liner Note Author: Alvin Lee.
13.OUTSIDE MY WINDOW(original demo)


26 de mai. de 2012

Edgar Broughton Band "In Side Out"

O ZM sempre envia algo que seja inusitado e isso as vezes me ajuda e as vezes me confunde, como nesse caso.

Nunca ouvi falar!

Nunca ouvi!

Nem sei quem são!

Muito menos sei quem é!

Dito isso e exposta minha ignorância musical me restou ouvir e ouvir e ouvir, e digo que gostei prq é um som fácil de acompanhar qqr atividade, diferente do Beefheart como citado na biografia, que seria necessário mais tempo de atenção.

Não a EBB é um som anos 70, rock de qualidade indubitável e também de um bom gosto a toda prova e claro que ainda não escutei toda a discografia mas este disco pra mim já está guardado como os outros e quero mais uma vez agradecer aqueles que perdem um pouco do seu tempo pra dividir conosco algo que gostam ou que acham valer a pena pra nossos ouvidos cansados de tanta porcaria que rola nos dials e por aí afora.

Ah que saudades da Excelsior, da Mundi, da Fluminense e tantas outras com qualidade e algumas que até parte fiz....bons tempos, valeu ZM!!!!Formada em Warwick, Inglaterra, a Edgar Broughton Band aterrisou no cenário musical londrino em 1968.

Liderada pelos irmãos Broughton, o vocalista e guitarrista Edgar e o baterista Steve, e completada pelo baixista Arthur Grant e o guitarrista Victor Unitt (que também tocou brevemente com a Pretty Things), a banda logo assinou com o selo Harvest e lançou o seu debute, "Wasa Wasa", uma coleção de blues elétricos vanguardistas, ancorada pelo vocal de Edgar, à la Captain Beefheart, no final de 1969.A Edgar Broughton Band voltou em 1970 com "Sing Brother Sing", que alcançou o Top 20 britânico e gerou um par de singles menores, "Out Demons Out" e "Apache Drop Out" (uma fusão de "Dropout Boogie", de Beefheart, e "Apache", da Shadows).

O grupo parecia preparado para um grande sucesso comercial, mas como o seu rock pesado já estava ficando manjado graças a bandas como Black Sabbath e Deep Purple, a Broughton Band promoveu uma reviravolta no seu som, que se tornou consideravelmente mais calmo e politicamente engajado.

O projeto da banda perdeu força e o seu disco homônimo de 1971 não conseguiu decolar.Depois de "In Side Out", de 1972, e "Oora", de 1973, apresentarem resultados também pífios, o grupo trocou a gravadora Harvest pela NEMS.

Disputas legais deixaram-no fora do estúdio durante meses, tendo finalmente ressurgido em 1975 - sem Unitt, que tinha sido substituído pelo guitarrista John Thomas - com "Bandages".

Seguiu-se uma parada breve, mas em 1978 a banda retornou com "Live Hits Harder".

Na época do lançamento de "Parlez-Vous English?", de 1979, o grupo passara a ser um sexteto, usando o nome de Broughtons.

Voltando a adotar o nome de Edgar Broughton Band, o grupo era um trio quando lançou "Super Chip: The Final Silicon Solution?", em 1982, um álbum conceitual cheio de sintetizadores e ritmos new wave.

As turnês continuaram ao longo dos anos 80, 90 e 2000.

Em 2010 a banda encerrou as atividades
Edgar Broughton - Vocals, guitar
Arthur Grant - Bass guitar, vocals
Steve Broughton - Drums, vocals
Victor Unitt - Guitar, harmonica, piano, organ, vocalsTrack listings
1."Evening Over Rooftops"
2."The Birth"
3."Piece Of My Own"
5."Don't Even Know Which Day It Is"
6."House Of Turnabout"
8."Getting Hard intro What Is A Woman For?"
9."Thinking Of You"
10."For Doctor Spock Parts 1 & 2"

2004 CD reissue bonus tracks
1."Hotel Room" (A-side of "Harvest HAR 5040")
2."Call Me A Liar" (B-side of "Harvest HAR 5040")
3."Bring It On Home" (Previously unreleased)


24 de mai. de 2012

Dennis De Young "The Music of Styx" (Live with Symphony Orchestra)

Sabe o que me deixa puto da vida?

Essas porras dessas bandas que depois que atingem o auge resolvem mudar justamente o responsável por tudo prq sem ele não chegariam a lugar nenhum.

O Stix não foge a regra.

Me diga quem quiser (o Roderick não vale) onde andam os componentes do Stix e o que fizeram depois da dissolução final?

Eles fizeram um show lindo que postei aqui e sem o Dennis nunca seria o revival que foi, por isso insisto; ô bandinhas pé no saco como o Genesis que tirou o Gabriel dizendo que ele era histriônico demais e estaria transformando a banda num circo!!!!!!

Ou o Dream Theater, que decidiram tirar o fundador da banda qdo o Portnoy pede para darem uma pausa afim de descansar um pouco e alegam que melhor seria ele pegar seu rumo e etc e tal!!!!!

O pai do Portnoy foi quem batizou a banda e ele foi quem trouxe-a até aqui, e ganhou o que?

O Stix não fugiu a regra e devido a inveja do Shaw que nunca chegaria nem perto do talento do Dennis e tentava imitar seus vocais (igualzinho phil collins) ao invés de se contentar com seu talento na guitarra.

Uma banda que trouxe uma visão moderna a época para o rock e um som até classificado de prog por muitos se desfez por nada, por ciúmes inveja e despeito; mas os grandes sucessos dela desde o primeiro como o próprio Dennis conta nos shows foi escrito por ele em sua garagem aos 17 anos.

Talento tem-se ou não, roubar ou imitar nunca funciona.

Nunca mais o Stix foi o que foi e que bom ouvir um show destes como aquele reencontro deles e matar saudades de um tempo como diz a Lucy, onde o banda embalava milhões de fãs mundo afora.

Com vcs Styx, ou melhor sua alma Dennis de Young.


É o CD duplo, não é o DVD, ok?

Desta vez não posso escrever nada porque não escrevo sobre progressivo.

Já tem mil autoridades no assunto, então não falta informação, e só vejo alguma graça em escrever quando muito poucos ou simplesmente ninguém escreve (principalmente em português) ou caso eu tenha algo de relevante a acrescentar.

O que posso dizer é que este disco me interessou por motivos fundamentalmente tolos e pessoais, e eu não me desapontei.

Suffering by nature or chance never seems so painful as suffering inflicted on us by the arbitrary will of another. (Schopenhauer)


The Music of Styx - Live with Symphony Orchestra is a double CD recording of Dennis DeYoung's live performance of his work both as a solo artist and with the band Styx.

The performance was recorded live on April 4, 2003 at the Chicago Theatre in Chicago, Illinois.

As indicated by the album title, the songs are symphonically arranged and performed with a live orchestra.

Three new studio tracks, "Hello God", "My God (Can Beat Up Your God)", and "Goodnight My Love", appear on the album.

Mike Eldred, who played the part of Quasimodo in DeYoung's musical The Hunchback of Notre Dame is featured as a guest vocalist on the two tracks from DeYoung's score for the musical.

A live DVD of the concert was released at the same time of the album, with a reduced track listingPersonnel

Dennis DeYoung: vocals, keyboards, piano
Mike Eldred: vocals on "Ave Maria" and "With Every Heartbeat"
Dawn Marie Feusi: vocals on "With Every Heartbeat"
Tom Dziallo: guitars
Hank Horton: bass guitar, vocals
Rick Snyder: keyboards, vocals
Kyle Woodring: drums, percussion
Suzanne DeYoung: backing vocals
Chicago Children's Choir: backing vocals

All songs written by Dennis DeYoung, except as noted:CD 1
1."The Grand Illusion" - 5:34
2."Lady" - 4:43
3."Eine Kleine Nachtmusik" (Mozart) / Lorelei (Dennis DeYoung, James Young) - 4:40
4."Light Up" - 4:52
5."Intro" - 1:57
6."Babe" - 4:24
7."Intro" - 0:53
8."Show Me the Way" - 2:58
9."Ave Maria" - 5:17
10."Castle Walls" - 6:24
11."Intro" - 0:38
12."Claire De Lune" (Debussy) - 1:51
13."Don't Let It End" - 5:00
14."Hello God" - 4:49CD 2
1."Mr. Roboto" - 5:23
2."Rockin' the Paradise" (Dennis DeYoung, Tommy Shaw, James Young) - 4:12
3."Intro" - 1:00
4."Black Wall" - 6:38
5."Desert Moon" - 6:56
6."With Every Heartbeat" - 5:40
7."Suite Madame Blue" - 7:52
8."The Best of Times - 7:41
9."Intro" - 1:40
10."Come Sail Away" - 8:06
11."My God (Can Beat Up Your God)" - 4:52
12."Goodnight My Love" - 4:31


É parte 1 e 2, tem que baixar as duas. Baixe, abra e veja se está tudo certo, ou se preciso subir de novo -- como tive que quebrar em duas partes, nunca se sabe.


21 de mai. de 2012

Phillip Long "Dancing With Fire" A Folk Opera

É sempre muito difícil opinar sobre o trabalho de alguém, porque independe de vc gostar, ele está pronto e pronto!

Claro que vc pode achar defeitos e virtudes, variações e nuances, mas não me canso de agradecer ao Dê por ter me apresentado a música, os músicos, o Edu, o show, amigos e lógico o Phillip que digo sem medo de errar " é de longe um dos melhores músicos que já ouvi".

Qdo vejo esse recado em nossa alcatéia, veio um misto de alegria e carinho prq alguns músicos já foram pelo menos educados e outros até mais, foram amigos em participar dos posts (uns nem cito prq foram um lixo como sempre pedindo pra retirar o post prq atrapalhava a venda dos cds e etc e tal, vão pro inferno que é quentinho...); mas qdo conheci em seu show o Phillip, gostei de cara e se ele já me havia conquistado através do pendrive do Dê, frente a frente já era, virei fã prq além de tudo o garoto é uma simpatia.

Ele quer minha opinião, ou impressão e faço diferente, posto e quem tiver afim baixe e tire suas próprias conclusões passando direto pra ele nos links abaixo ou por aqui nos comentários.

Grato Phillip pela confiança e carinho, seja feliz em sua jornada, prq a minha ao seu som se torna mais feliz.Lobo, tudo certinho?
Acabo de lançar meu 3º disco e gostaria muito de saber suas impressões sobre ele.

O disco se chama "Dancing With Fire (A Folk Opera) e é todo baseado em violões, uma mergulho em direção as raízes.

Espero que goste...PhillipDancing With Fire (Enterlude) (Phillip Long)

Won't you get close?
Won't you get high?
Dancing with fire
Without touching there's no harm
Just dancing with fire
Won't you join us?
Won't you come with us?
We're dancing with fire
Don't be shy
Don't think twice
Just dancing with fire
Dancing with fire
We're dancing with fire
Dancing, dancing, dancing with fire
Dancing with fire
Dancing With Fire: A Folk Opera


1- Dancing With Fire (Enterlude) – (Lyric: Phillip Long / Melody: Eduardo Kusdra)
2- We Were Giants – (Phillip Long)
3- Woman Of Venus – (Phillip Long)
4- In God's Name – (Phillip Long)
5- A Prelude For My Disgrace – (Eduardo Kusdra)
6- Damn She's Got My Mind – (Phillip Long)
7- So Old To Fall In Love – (Phillip Long)
8- I Can't Wait Until Tomorrow – (Phillip Long)
9- It's Hard When It Aches – (Phillip Long)
10- A Requiem For My Joy – (Eduardo Kusdra)
11- Forsaken By Love – (Phillip Long)
12- Sometimes – (Phillip Long)
13- Except My Love – (Phillip Long)
14- Dancing With Fire (Exitlude) - (Lyric: Phillip Long / Melody: Eduardo Kusdra)Vocals by Phillip Long.
Guitars, bass, piano and drums by Eduardo Kusdra.
Featuring Maria Eliza in “It’s Hard When It Aches” and “Forsaken By Love”.
Backing vocals by Maria Eliza.

All songs written by Phillip Long except “A PreludeFor My Disgrace” and “A Requiem
For My Joy” written by Eduardo Kusdra.
Produced, arranged, mixed and mastered by Eduardo Kusdra at Estúdio Arte Master.
Sessions recorded between March and May 2012.

Artwork by João Lobo.
Eduardo Kusdra uses Mayones basses exclusively. ( www.mayones.com)Social media:

Contacts & Phones:

(19) 9718 4655 – Eduardo Kusdra – www.facebook.com/eduardokusdra
(19) 9826 9095 – Lô Ferreira – www.facebook.com/lo.ferreira1


18 de mai. de 2012

King Crimson ProjeKt - "A Scarcity of Miracles", by Robert Fripp and friends‏

Acho que os que acompanham essa alcatéia sabem bem o que penso do Fripp.

Não gosto dele.

É um puta músico, gênio pra uns, idiota pra outros e eu nem tô aí pra ele e sempre me liguei nos caras que tocam com ele, esses sim valem sempre a pena.

Ele não é um John Mayall que recupera músicos em final de carreira como foi com Eric Clapton e depois os devolve ao mundo novinhos em folha, ou lança monstros como Coco Montoya e etc; também não é um Zappa que consegue em cada série de trabalhos reunir músicos ou lançar do naipe de Steve Vai, Aynsley Dunbar, George Duke e por aí vai.

Mas com todos os defeitos que vejo nele, antipático (senta no fundo do palco no escuro e num dá bola pra ng) prq a ultima vez que assisti algo era o Bellew que fazia as vz e ele quase como um autista por ali; pernóstico (ah não gente ele se acha "o monstro" e não é!!!!); rouba trabalho de colaboradores como do Keith Tipped postado e relatado por este maluco que voz uiva, mesmo assim ele consegue por décadas se manter vivo.Lançou o Greg Lake que o deixou na mão, mas isso não impediu que trouxesse o Wetton e seguisse; juntou-se a músicos de verdade sempre e a gente sabe que esses caras não são bobos, lança discos como Epitaph, ou um solo de violão; faz uma ópera ou um duplo que tenho em dois estilos totalmente diferentes.

O cara chegou a dizer que Hendrix era só um músico e não um guitarrista e que Clapton era de um nível bem baixo (Jack Bruce acha-o melhor que o Page por isso a briga Cream/Zep,rs)

Sei lá esse cara é doido, mas como o ZM de bobo não tem nada, e me enviou esse trabalho avalizado por ele mesmo que é o que importa, aqui está, vou ouvir sim e dar minha opinião, se for no nível de In the Court.., Red, Lizard (esse é do Keith que ele roubou viu?) ou outros ótimo, senão.....rs

ZM, é sempre um prazer sua vinda a toca desse maluco no meio do nada e cheia de lobos em volta; ah e pra não perder viagem, tenho recebido notificações variadas dos caras e se sairmos do ar sei não mas enquanto isso Fripp e seu Crimson pra vcs.

Acabei de subir um CD meu para você.

Se gostar, ponha no SM.

O interessante é que ele desperta as mais variadas emoções em diferentes ouvintes, que vão do amor ao ódio...!

Eu, pessoalmente, gostei dele.

Como diria o filósofo Nelson Rodrigues: "toda unanimidade é burra", então este disco é tudo, menos burro, pois não há unanimidade em suas avaliações na web.

Ouça e depois me diga.

Veja na Amazon.com como ele ganha 1, 2, 3, 4 e 5 estrelas
.Eu daria "4", ou seja, um disco muito bom e que vale o download.

by ZM!!!!


17 de mai. de 2012

"Donna Summer morre aos 63 anos de cancêr"

Dancei, cantei, admirei, namorei ao som dela, amo sua voz e admiro sua beleza.

A terra mais uma vez fica mais triste mas em algum lugar eu creio sua voz está ecoando nesse momento como aqui na alcatéia numa singela homenagem a "rainha da disco" e me perdoem os detratores, problema meu gostar e entender que sempre foi muito bom pra minha adolescência ouvi-la.

A cantora Donna Summer morreu na manhã desta quinta-feira (17) após uma batalha contra o câncer. Conhecida como rainha da disco music, ela tinha 63 anos e estava na Flórida no momento de sua morte. As informações são do site TMZ.A cantora enfrentou uma batalha contra o câncer
Foto: Getty Images

De acordo com fontes do site, a cantora estava tentando manter a doença em segredo. No entanto, uma fonte teria dito que há duas semanas ela estava relativamente bem e que tinha planos de terminar o álbum no qual vinha trabalhando.

Donna ganhou cinco vezes o Grammy ao longo da carreira e fez muito sucesso nos anos 70 com hits como Last Dance, Hot Stuff e Bad Girls. Nos anos 80, continuou nas paradas, como músicas como She Works Hard for the Money e This Time I Know It's for Real.

A cantora e o produtor Giorgio Moroder definiram a dance music nos anos 70 e foram responsáveis pela entrada de artistas como Duran Duran e David Bowie no gênero.

Ela se casou com o vocalista do Brooklyn Dreams, Bruce Sudano, nos anos 80 e teve duas filhas com ele.

Obs: para os que quiserem uma coletãnea de recordação


13 de mai. de 2012

Larry McCray "Live On Interstate 75"

Existem músicas e existem "músicas".

Desde que conheço um pouco de Blues, fui sempre em busca da essência da história e saber como nasceu, quais foram seus primeiros ícones e quem trouxe até hoje essa forma de expressão tão sofrida e ao mesmo tempo tão linda.

Já viajei pelo delta do mississipi, passeei por plantações de algodão e acompanhei trilhos de trem plantados com suor e sangue de negros escravizados e obrigados à aquela missão tão inglória, mas que ao invés de tirar deles sua moral e honra, os fez mais fortes ainda.

Fortes ao ponto de enquanto morriam ou esperavam a morte, compunham hinos, spirituals, blues e lamentos para suportarem as torturas e as dores infligidas por outros que se achavam no direito de tratá-los como animais só por causa da cor da pele ser negra e eles não!

Com o tempo o Blues além de lendário e místico foi se tornando universal e vários humanos de outras "cores" que não os negros passaram a compor, tocar e até cantar e conseguiram se não superar chegar ao mesmo nível como já disse aqui anteriormente "n" vezes de Warren Haynes e uma de minhas preferidas sempre foi "Soulshine" à qual não busquei com afinco a origem.

Hoje acordando como sempre saudoso e um pouco entristecido (coisa de lobo viu?) fui divagando e escutando sons pela alcatéia qdo me encontro com o "negro" Larry McCray e me lembrei de sua versão para soulshine, só que mais atento, percebi que a música é de sua autoria junto ao Haynes e aí uni o útil ao agradável, minha dor interior, meus lamentos em forma de uivos que ecoam pela floresta e a alegria da descoberta.

Que bom, uma música que adoro, um músico que admiro, um lendário bluesman e a sonoridade a reverberar.

Aqui está o disco onde ela saiu com seu autor, e ainda com um presente, colei aqui no post as capas de uma versão do cd e outra tb original vai junto ao arquivo, pra aqueles como eu que gostam de colecionar material, fica uma bela obra, espero gostem e curtam como eu.If contemporary blues has a long-term future in the 21st century, it's very likely that guitarist Larry McCray will continue to play a recurring role in its ongoing development.

Beginning with this 1990 debut album, Ambition, and continuing into the new millennium, McCray has signaled both a strong commitment to the tradition and the vision to usher the genre in exciting new directions.

McCray's first influence on guitar was none other than his sister, Clara, who toured regionally around Arkansas with her own combo, the Rockets.

Clara never got to record her Freddie King-styled blues for posterity -- but her little brother has at least partially made up for that omission. Larry followed Clara up to Saginaw, Michigan in 1972.
She turned him on to the joys of the three Kings (B.B., Freddie, and Albert), Albert Collins, and Magic Sam, and Larry added superheated rock licks (à la Jimi Hendrix and the Allman Brothers) to his arsenal as he began playing the local circuit with his brothers Carl on bass and Steve on drums.

Working on General Motors' assembly line occupied a great deal of Larry McCray's time after he finished high school.

But he eventually found enough free hours to put together Ambition for Point Blank in a Detroit friend's basement studio.

The stunning debut set was a convincing hybrid of blues, rock, and soul, McCray combining the interrelated idioms in sizzling fashion. Suddenly, the stocky young guitarist was touring with labelmate Albert Collins.His 1993 Point Blank encore, Delta Hurricane, was a slicker affair produced by veteran British blues maven Mike Vernon that McCray much preferred to his homemade debut.

He followed Delta Hurricane with Meet Me at the Lake in 1996 and Born to Play the Blues in 1998.

The bluesman has remained active in the 2000s with albums including 2001's Believe It and Blues Is My Business, 2006's Live on Interstate 75 (his first live outing, recorded in Detroit), and the eponymous Larry McCray in 2007.Review

by Chris Nickson

If you want high-energy guitar blues mixed with some surprisingly soulful vocals, look no further than Larry McCray.

His first live album, recorded in Detroit, covers the rich bases of his live act, from the guitar pyrotechnics of "Man on Bended Knees," where you can almost hear the ghost of Hendrix hovering above the stage, to the soul of "Believe It."

His backing trio does exactly what's expected, they hit the groove perfectly on each number, leaving McCray in the spotlight, which is where he belongs (although he does share it with Lucky Peterson on "Four Little Boys," a powerhouse 11-minute track).But there are several facets to McCray's music.

He can turn in a good blues ballad on "Gone for Good" or look to both the church and reggae for inspiration on "Somebody's Watching."

You come away from the experience of this live disc wondering why McCray isn't a major blues star.

He deserves to be.Discography
Ambition (1990)
Delta Hurricane (1993)
Meet Me at The Lake (1996)
Born to Play the Blues (1998)
Believe It (2000)
Blues is my Business (2001)
Live on Interstate 75 (2006)
Larry McCray (2007)

1. Delta Hurricane

2. Man On Bended Knees

3. Gone for Good

4. Witchin' Moon

5. Four Nickels

6. Believe It

7. Blue River

8. Somebody's Watching

9. Blues Is My Business

10. Four Little Boys

11. Nobody Never Hurt Nobody with the Blues

12. Soul Shine


10 de mai. de 2012

Souad Massi " Deb" (Heart Broken) by Lucy

Música do mundo, mais precisamente da Argélia. Calma, me dá uma chance... rs

E não se deixem enganar pelo ar lânguido da moça da capa, achando que é só isso. Mas é ela mesma, Souad Massi, lá pelos seus 30 anos. :)

Eu não falo árabe (ainda), mas nem um "oi" pra pedir um copo d'água. E, no entanto, é surpreendente como se pode gostar tanto sem entender nada. Já fui muito nerd, de só escutar música de lugares e tradições que eu não conhecia ou entendia, mas isso já faz muito tempo.O que eu mais gostava era ouvir música de raiz (o tal do folk/roots/traditional) dos lugares mais remotos, como se eu estivesse lá, e só tocasse aquele tipo de música. Depois, ia buscar releituras modernas dessas tradições. Basicamente, era como ir do pé no chão descalça até o salto alto do Buddha Bar. rs

Tem que ter muuuuito tempo livre. Mas vejam que até desses anos de sabático forçado eu tirei, afinal, algo de bom. :) Depois deles, no entanto, quando o assunto é música, acabei me ocidentalizando tudo de novo.

Isto posto, abri esse disco meio receosa, meio "ah, não sei"... Eu queria era só uma música em francês. Ouvi, gostei, podia declinar de ouvir o disco inteiro. Bah, qual surpresa, ainda bem que me dispus a abrir essa preciosidade. Tem tanta coisa diferente dentro dessas 12 músicas, tantos humores e sutilezas, tantas línguas, também, que eu nem sei o que dizer. Se você abrir e deixar esse mundo dela entrar, vai se surpreender.

A Souad é de 1972, argelina. Canta, compõe e toca violão. É de uma família muçulmana pobre, de um subúrbio de Argel, um lar com sete filhos. Começou a tocar violão e cantar por causa do irmão mais velho, que tocava piano. Convenceu a mãe, mais liberal, apesar dos protestos do pai, que valeria a pena pagar lições de violão pra ela.Mas não durou muito a alegria da menina. Com guerra civil e toque de recolher às 7 da noite, nem em sonho a adolescente podia continuar. Trancada em casa, o rádio foi a salvação. Se apegou ao folk rock americano e também ao country, que ouvia por tabela nos filmes de cowboy da TV.

Esse pequeno conhecimento acumulado foi o suficiente pra que ela conseguisse sua primeira chance, numa banda de flamenco. Mas não durou muito, ficou meio chato pra ela -- tipo ler Machado de Assis aos 17 anos, imagino, porque ela vai retomar esse dedilhado adiante. rs

A carreira começou mesmo aos 20 anos, com uma banda de rock de cunho político. Fez sucesso (Led Zeppelin e U2 como inspirações), mas a banda logo virou alvo dos fundamentalistas. Ela passou a se vestir de homem, cortou o cabelo, mas não teve jeito: saiu fugidinha da sua terra natal sob ameaças de morte, aos 27 anos. Foi morar em Paris, em 1999. Tocou no festival "Mulheres da Argélia", mas já pensava em largar a música, quando foi convidada a gravar.

Violão predomina, sempre ali. Em matéria de estilo, ela incorpora ocidente e oriente muito bem. Tem influências de rock, folk, fado, flamenco, norte-africanas, e ela canta em árabe, francês, inglês e kabile (uma língua berbere). Isso tudo eu achei que a distingue de "mais uma argelina em Paris" -- na teoria. E, depois de ouvir, me convenci.O primeiro disco é de 2001, se chama "Raoui", que quer dizer "contadora de histórias". Sucesso de crítica e público na França, é quase todo em francês e árabe. Tem uma pegada bem "música folk americana dos 60" esse disco, diz o AllMusic, e faz sentido na biografia dela. Este "Deb" ("de coração partido"), que trago pra vocês, é o segundo disco, de 2003. As letras ficam mais pessoais e menos políticas, fez sucesso em vários países fora da França.

Depois veio "Mesk Elil" ("madressilva"), de 2005, que expande os temas de amor e perda do disco anterior. Em 2007, lançou um acústico ao vivo, "Live Acoustique". O mais recente disco, de 2010, se chama "Ô Houria" -- acho que é "liberdade". Tem participação do Paul Weller no piano e nos vocais, na última faixa.

Receita pra ouvir este "Deb" -- apenas uma, dentre tantas possíveis... Toque "Ghir enta" (faixa 2) numa manhã preguiçosa e ensolarada de domingo. Dans ta chambre, avec quelqu'un. Leve uma bandeja com uma fruta doce, café preto e uma torrada integral com mel e um toque de manteiga. Pronto. Esqueça todos os seus problemas, porque o resto é o resto!

(Só depois de escrever isso é que descobri que tem tradução de tudo em inglês na arte do disco. Caiu como uma luva com o que sugeri às cegas. rs Pra vocês verem como a música se sente. Não é preciso, necessariamente, entender as palavras. Eu mesma me esqueço, e vem essa moça me lembrar...)

Lindo.Souad Massi - Deb (2003)
01 Ya kelbi (Oh! My heart)
02 Ghir enta (I only love you)
03 Ech edani (I shouldn't have fallen in love with you)
04 Yemma (Mummy, I lie to you)
05 Yawlidi (My little boy)
06 Le bien et le mal (Good and evil)
07 Houria (Freedom)
08 Deb (Heartnroken)
09 Moudja (The wave)
10 Passe le temps (As time goes by)
11 Theghri (I send an S.O.S.)
12 Beb el mahdi (The gate of the past)

Pra fazer as honras da casa...
Enjoy. :)